London River

Esta cinta del francés de origen argelino Rachid Bouchareb, está situada en Madrid tras el atentado dirigido al transporte público de julio del 2005 en el que hubo 50 víctimas mortales.
En ese contexto, Bouchareb narra el encuentro de dos personas que en principio parecen totalmente opuestas y que luego nos damos y se dan cuenta ellos mismos que sus vidas no son tan diferentes, tal como menciona Elisabeth, el personaje de interpretado magníficamente por Brenda Blethyn, a Ousmane (Sotigui Kouvaté) y, aunque distintos en algunos aspectos, el dolor, la esperanza, el miedo son iguales para ambos, juntos van re conociendo a sus hijos mientras los buscan.
A la orilla del río es un drama social conmovedor, con un tratamiento especial hacia el racismo y el terrorismo.

Norteado

Ésta podría ser una película más sobre inmigrates, pero no lo es. Este año hemos tenido excelentes cintas sobre el tema y para todos los gustos, cabe decir, Los que se quedan, Mi vida sin mí, Bastardos, Oveja negra, Sin nombre y Norteado, la cual, desde sus primeros 10 minutos se conviertió en una grata sorpresa para mí.
Inspirada en un cuento de Edgar San Juan, ésta peli es un melodrama sencillo que bien pudo llamarse Suertudo, ya que Andrés, un joven procediente de Oaxaca, sortea los peligros que hay al pasar ilegalmente a los Estados Unidos y además, gracias a su encanto y carisma logra ganarse la confianza y cariño de tres habitantes de Tijuana, quienes lo ayudan y le facilitan la vida mientras él alcanza su sueño.
Con una sencillez narrativa y tintes de documental y comedia romántica, Rigoberto Perezcano (XV años en Zaachila) logró una emotiva, entretenida y original cinta en la que se ríe de la tragedia, con excelentes actuciones por parte de Harold Torres, Alicia Laguna, Sonia Couoh y Luis Cárdenas.

John Rabe

Coproducción entre Alemania, China y Francia, dirigida por el alemán Florian Gallenberg, quien narra una historia verídica sobre John Rabe, un ingeniero afiliado al partido Nazi y empleado de Siemens que vivió en China por 30 años y que, cuando las cosas se pusieron feas en China por la invasión de los japoneses durante la Segunda Guerra Mundial, junto con otros europeos que vivían allá creó un grupo para defender a los chinos.
El guión de la película está basado en en el libro Un buen hombre de Nankin: Los diarios de John Rabe y en varios puntos utilizan material de archivo y tiene un reparto internacional que hace de manera excelente su trabajo, entre ellos, Ulrich Tukur (La Vida de los Otros), Steve Buscemi (Gran Pez), Daniel Brühl (Adiós a Lenin) y Anne Consigny (El llanto de la mariposa).
Es una de esas películas históricas muy bien hechas con buenas actuaciones, excelente foto, diseño de arte, etc, de esas que ganan premios y se vuelven éxitos de taquilla, porque tiene todo lo que le gusta a la gente, está hecha de modo convencional, es sentimental, dramática y, sobre todo, políticamente correcta, aunque para mi gusto es demasiado hollywoodense y muestra cosas que no haría falta mostrar.

A Serious Man

Esta vez los hermanos Ethan y Joel Coen filmaron en un suburbio similar en el que ellos crecieron y en el que fueron educados por judíos y, de hecho, ésta es una peli sobre judíos y la humillación y dolor que uno de ellos debe de pasar, Larry Gopkin (Michael Stuhlbar), un hombre casado y con un par de hijos que sólo busca ser un hombre serio, un buen miembro de la comunidad, un buen esposo, un buen profesor y trabajador, pero todo se le va en contra, sus hijos, su esposa, sus alumnos, su salud, sus sueños o, en realidad pesadillas, y hasta el clima, sin que él pueda hacer nada; en varios momentos repite "porqué yo, sino he hecho nada" y justo no es que haga cosas espectacularmente buenas o malas, no! sólo no hace nada, de la misma manera, varias veces se repite la canción de Don't you want somebody to love. La verdad es que, por momentos, no sabía si reír o llorar y en buena parte me quedé perpleja y fascinada, eso sí, con las actuaciones de Stuhlbar, Sari Lennick, Richard Kind, quien salía en Mad About You, aquella serie con Paul Reiser y Helen Hunt y la breve pero fabulosa participación de Simon Helberg, a quien recordarán por The Big Bang Theory.
Y sí, es sobre judíos, pero en realidad los Coen hablan sobre la incapacidad de controlar el universo o, en su defecto, lo que sucede a cada persona.

Looking for Eric

Hasta el momento la mejor película que he visto dentro de la 51 Muestra Internacional de la Cineteca, sin duda alguna. Ésta es la más reciente cinta de Ken Loach, quien suele filmar cintas con temáticas sociales rayando en el melodrama, pero ésta vez combinó de manera perfecta el drama al mostrar la realidad de un cartero inglés con una vida poco enviadiable con una historia de superación personal que nunca cae en lo sentimentaloide ni lo cursi, una película sobre la búsqueda de identidad completada con una buena dosis de humor. Buscando a Eric es de esas pelis que defino como pone-de-buenas.
Gracias a la participación del futbolista francés del Manchester United Eric Cantona, quien también fue productor de la cinta, es que el personaje principal se llama Eric, interpretado por Steve Evets, y quien es un hombre malhumorado, sin el respeto de sus hijastros y que sueña con su amor de juvetud, a quien no ve desde hace 30 años. Ken Loach volvió a trabajar con su guionista de costumbre Paul Laverty y dio a una historia simple sobre autoestima y superación personal un tratamiento original jocoso y plagado de humor.

Taking Woodstock

Esta es una cinta sobre liberación y tolerancia en un momento en el que las estructuras sociales eran rígidas y conservadoras, el guión de ella está basado en el libro autobiográfico de Tom Monte, Taking Woodstock: A True Story of a Riot, a Concert and a Life.
Aunque tiene como título en español Bienvenido a Woodstock, sólo muestra el festival de agosto del 69 desde una visión al margen, en realidad lo central es cómo el festival transformó la vida de muchos de los que estuvieron ahí y en particular es la historia de liberación de un joven en medio de una serie de conflictos culturales y sexuales, interpretado por Demetri Martin, pero confieso que, aunque es carismático, no crea la suficiente empatía y se lo comen las actuaciones de Emile Hirsch, Imelda Staunton y Liev Schreiber.
Lo que no verán o, debería de decir, oíran, ésta no es una película musical, de hecho sólo aparece ésta de manera incidental, se escucha a lo lejos, tal como lo escucharían las personas a metros del escenario. Lo que sí es, es una cinta ligera dentro de la filmografía de Ang Lee en la que usa pantalla dividida y por un breve momento (durante un viaje ácido del protagonista) me recordó Across the Universe de Julie Taymor, pero sólo un breve momento.
Entretenida, pero nada más, de ahí no pasa.

Pandora'nin kutusu

O, en nuestro idioma, La Caja de Pandora, de la directora turca Yesim Ustaouglu, talvez en cuanto a historia la cinta no es original y desde un principio podría adivinarse el desenlace, pero está muy bien hecha, los paisajes del campo turco, la música y la actuación de Tsilla Chelton, valen la peli. Aunque, a mí, la verdad, me conmovió por completo, tiene una estética narrativa hermosa, sus imágenes son poéticas y se completan perfecto con la música.
La caja de pandora que se abre es la de una familia que se redescubre después de la desaparición de la madre y aunque cada uno de los integrantes de esta familia tiene sus propios problemas, el eje central es la madre, interpretada por Tsilla Chilton, quien sufre de Alzheimer, desde antes de encontrarla los reproches y recuerdos de y entre sus tres hijos salen a la luz.
Y a pesar de que el personje de Chilton está enfermo y senil, es quien tiene los diálogos más certeros, pues con todo y todo, sabe de qué pie cojea cada uno de sus hijos y se los hace saber de manera certera y eso les cae de sorpresa, como dardos; a pesar de eso es el nieto el único que logra comprender su deseo y ese personaje termina siendo el que más avanza, no es de a gratis que con él empiece y termine la cinta.

Le Silence de Lorna

El cine de los hermanos Dardenne es reconocido internacionalmente por el hincapié que hace a problemáticas sociales que no sólo tienen importancia y repercusión en Europa, sino en el mundo entero, pues sus historias, aunque representadas en Bélgica, son universales.
En esta ocasión, Jean-Pierre y Luc Dardenne tratan sobre la los matrimonios por conveniencia para que europeos de los países del este, menos favorecidos económicamente, puedan obtener papeles de los países de oeste. Dentro de esta situación de inmigración ilegal y, por tanto, de corrupción social, aparece el personaje de Lorna (Arta Dobroshi), una joven de Albania que se casa con un joven drogadicto belga, interpretado por Jérémy Renier, quien por cierto ya es actor recurrente de los Dardenne.
Con un estilo ya marcado, este par de hermanos guionistas/directores, hablan sin sentimentalismos sobre la redención, el reparo moral y se cuestionan sobre lo que está bien o mal, es así que Lorna se convierte en una especie de antihéroe al buscar su redención entre los marginales.

The Limits of Control

El cine de Jim Jarmusch es de esos que se toman su tiempo y eso se agradece, pero no sé si tenga mucho caso buscarle sentido a esta peli, porque creo que estamos ante una cinta que está hecha para ser contemplada como se hace con una obra en un museo, no sólo porque la música es repetitiva, también por las frases que se dicen una y otra vez, o por las referencias pictóricas, cinematográficas, musicales y literarias que tiene o porque su personaje principal es una especie de cawboy posmo, hace tai chi, no usa teléfono móvil, ni pistolas y no practica sexo mientras trabaja.
El eje central de The Limits of Control es el paso de El Solitario, interpretado por Isaach De Bankolé, por España y sus breves encuentros con varios personajes, a ninguno de ellos lo conocemos por su nombre, sólo por su apodo y de pronto me parecía estar frente a un juego de lotería; el francés, el criollo, el mesero, la rubia, la mujer desnuda, el violinista, el mexicano, la guitarra, el conductor, el americano, casi cada uno de ellos pregunta a nuestro hombre solitario qué piensa sobre el cine, la pintura, la bohemia, la música, Schubert, las alucinaciones, pero nunca le dejan responder, si bien él tampoco muestra mucha iniciativa para hacerlo. Con un reparto multicultural, cada uno de los actores es suficientemente reconocido en su región, Óscar Jaenada, Luis Tosar, Tilda Swinton, Bill Murray, Gael García, Paz de la Huerta, John Hurt o Hiam Abbass.
Cabe destacar la fotografía de Christopher Doyle, quien trabajó con Won Kar Wai en In the Mood of Love, y el diseño de producción de Eugenio Caballero, a quien recordarán por su desempeño El Laberinto del Fauno.

Parque Vía

Me recordó a Batalla en el Cielo de Carlos Reygadas y a Sangre de Amat Escalante, es de la onda, pero diferente, usa actores no profesionales y planos largos, en su mayoría estáticos. Parque Vía es la primer cinta de Enrique Rivero, quien se vale de una estructura monótona y repetitiva para adentrarnos es la vida rutinaria de Beto, un hombre que ha ciudado la casa de una señora adinerada (Tesalia Huerta) por 30 años. A pesar de su forma narrativa no es una cinta pesada, al contrario, crea un interés en Beto, su melancolía, soledad y futuro, pues al ser vendida la casa él no tendrá a dónde ir, ese interés sirve para adentrarnos en su situación y entender las crisis que tiene cada que sale de la casa, su sudor y su dificultad para hablar con la gente, tantos años lo convierten en un ermitaño. Pero debo de decir que justo ese interés creado durante se va abajo con el final, el cual considero que demerita la historia, aunque sí es destacable el desempeño de Nolberto Coria, quien interpreta a Beto y el trabajo del primerizo Enrique Rivera, pues aunque su película no termina por cuajar -yo hubiera preferido un final abierto- está bien hecha.

New York, I love you

New York, I love You es la segunda entrega de la idea del productor Emmanuel Benhiby, la primera fue Paris, Je t'aime y se espera que les sigan las versiones de Rio de Janeiro, Shanghai, Mumbai y Jerusalem. NY, I love you es una peli hecha de varios cortometrajes, para ser exacta 11 de 8 minutos cada uno y filmados en dos días cada uno también, sobre la ciudad y cómo la vive su gente. Estos 11 cortos fueron dirigidos por Mira Nair, Fatih Akin, Natalie Portman, Brett Ratner, Jiang Wen, Shunji Iwai, Yvan Attal, Allen Hughes, Shekhar Kapur, Joshua Marston y Randy Balsmeyer.

Lo que sucede en NY, I love you y que no pasó con Paris, Je t'aime, es que en ésta última cada corto empieza y termina como una unidad independiente, no se mezclan entre ellos, en cambio, en la versión sobre Nueva York todos los cortometrajes están unidos, gracias a la idea de Benhiby y su editor, todos los cortos se rozan de una manera u otra, sea con un lugar o un personaje, tal vez a excepción de un par de ellos.


En general la cinta es buena, pero tiene sus altibajos y son unos tres cortometrajes los que hacen que valga la pena verla, al menos desde mi punto de vista, esto porque la mayoría de las historias se parecen, un gran porcentaje habla del amor de pareja y pocas exploran otro tipo de relación, incluso ninguna explora el amor interracial u homosexual, ni se explota el multiculturalismo de la ciudad ni se visitan ciertas zonas como Queens o el Bronx, sitios que sólo conozco por las películas, igual que Central Park, el Puente de Brooklyn y el Upper East/West Side, que sí aparecen en la peli y también son puntos más turísticos y comunes dentro de la imaginería actual.

Los abrazos rotos

La nueva cinta de Pedro Almodóvar no es sólo sobre abrazos rotos, también sobre historias rotas, relaciones rotas, películas y fotografías rotas. Almodóvar nos da una película (titulada Chicas y Maletas, así o más almodovariano?) dentro esta película y de paso nos cuenta varias historias alrededor de ella, una historia de amor rota por la fatalidad de la muerte.
Antes de seguir confieso dos cosas, me gustó más Volver y se me hizo un poco larga, peeero, sí me gustó, Chicas y Maletas da justo el contrapunto cómico para el drama de las historias que la rodean, incluso de pronto tanto drama es un poco irrisorio, como cuando a un ciego alguien le dice "nos volveremos a ver" y el ciego responde "eso para mí sería un milagro".
Sí, esto es un pedacerío de historias y cada quien irá armando la peli mientras ella avanza la cinta, cada quien va a comodando montón de de bellas y fuertes imágenes que componen Los abrazos rotos, por cierto la foto es del mexicano Rodrigo Prieto, quien cada vez lo hace mejor.

Los que se quedan

Oveja Negra

Cuando escuchan de una peli que se llama Oveja Negra seguro se les viene a la cabeza La Oveja Negra de Pedro Infante (y si no, qué falta de conocimiento tan grave), pero no muchachitos, desde hoy hay una nueva Oveja Negra, ésta se estrena hoy con 70 copias y así como dice su nombre, todo en esta peli se desencadena por una oveja negra o la falta de ésta.
Dos amigos que viven en un pueblito quieren escapar de la vida de campo e irse para los iunaited, tema cliché? podría ser, pero el guionista y director de Oveja Negra, Humberto Hinojosa, buscó un caminito nuevo e hizo de ésta, su opera prima, una peli refrescante en la que los personajes principales recaen en actores nada conocidos, haciéndola más fresca aún, tanto como leche de vaca recién ordeñada.
Rodrigo Corea, Ximena Romo, Luis Iván Arana y Christian Vasquez, son las caras nuevas que agradecemos ver en esta peli de historia sencilla, gran clímax y con uno de los mejores finales que he visto en todo el año. Yo les aseguro que saldrán de la sala con una sonrisa en su cara, de oreja a oreja, después de ver esta entretenida película sobre la amistad, el amor , la lealtad y las tonterías que cometemos en la juventud, por inexpertos, por amor, por inseguridad, bueno seguro saben de qué les hablo, de todas maneras, al final, las cosas caen por su propio peso y cada quien recibe lo que merece.
Peli buena onda, con Cumbia reirán con su espanglish y su chispa, con Jerónimo y José las chicas suspirarán, con María los chicos suspirarán, sus ojos se relajarán al ver paisajes lindos y disfrutarán con pequeños detalles como éste que fue el que mi fav, cuántas ovejas vale una casa? un chingo.

The Imaginarium of Doctor Parnassus

Ya está el trailer de la más reciente peli de Terry Gilliam, creador de Brazil, Doce Monos, Monty Python, Tideland... y ya está preparando una historia sobre don Quijote, qué tal eh!
The Imaginarium of Doctor Parnassus es también la última peli de Heath Ledger y, a causa de su repentina muerte, también disfrutaremos las actuaciones de Johnny Depp, Colin Farrel y Jude Law, así o mejor?

Import/Export

Tristeza, soledad, desesperanza, pero más que nada, abandono, son algo de lo que me provocó la más reciente cinta del austriaco Ulrich Seidl, director de una joyita llamada Días Perros. Con un estilo súper realista tipo documental e incluso utilizando varios actores no profesionales y personas como yo, de las llamadas comunes, específicamente a varios ancianos que sobreviven en un hospital/asilo mientras les llega la muerte. La fotografía está fenomenal, es medio deslavada y aún las escenas que tienen mucho color reflejan desolación, depresión y monotonía. Import/Export es una cinta que narra la situación de dos personas, una que sale de Austria y una que va hacia allá para encontrar trabajo y un futuro al tiempo que refleja la crudeza de la pobresa, el sexo y la muerte, es así que algunas de las imágenes más fuertes, crueles y crudos son los gitanos pobres en eslovaquia, el hospital donde "habitan" los ancianos y una chica complaciendo a un viejo depravado.
Esta no es para nada una cinta complaciente ni para todo tipo de público, tanta miseria podría ser demasiado para muchos. Al final, sólo podemos oír, ver y sentir un agonizante "muerte, muerte, muerte".

Se estrena hoy! En la cineteca y lumiere reforma.

Año Uña

Dirigida por Jonás Cuarón, sin guión, con una cámara fotográfica, su familia, su novia y una computadora. Jonás construyó esta cinta con cientos de fotografías tomadas por él mismo a lo largo de un año y al comenzar la peli lo primero que nos avisa es que todas esas fotografías fueron tomadas en situaciones reales, la ficción llegó después. Clasificó las fotos por temas, creó una estructura narrativa y fue uniendo foto a foto para crear una serie de secuencias y dar con esta historia de amor que no puede ser entre una chica neoyorquina y un adolescente defeño, para darle estructura usó la voz en off de los personajes reales para manifestar diálogos y pensamientos.
La cinta es inusual, con una narración tierna, ingenua y con tintes de comicidad, gracias a la excelente interpretación de Diego Cataño, Año Uña hace incapié en que lo importante y bello de la vida son esos momentos fugaces. Este primer proyecto de Jonás Cuarón es interesante, cálido y entretenido, pero me quedé con la idea de que aún le falta pues no terminó de convencerme, a pesar de ello, Cuarón tiene el firme deseo de contar historias y la idea de cómo hacerlo, y eso es mucho más de lo que podemos decir de otros que se hacen llamar cineastas.
En otras cosas, pero sobre lo mismo, ésta es la primer cinta mexicana que será estrenada casi simultáneamente en cine y televisión, pues en las salas cinematográficas aparecerá l día de mañana, 24 de julio, mientras que en televisión, a través de Cablevisión On Demmand, será a partir del lunes 27. Lo mejor de esta alianza entre la distribuidora Canana Films y Cablevisión es que llevará a la tv los proyectos que ha distribuido Canana, como JC Chávez, Cochochi, Gomorra, Déjame Entrar, Mi vida dentro, Joy Division y Cocalero, además de que también ofrecerá, esto sin costo, una sección en donde podrán verse los trailers, makin off's y entrevistas relacionadas con cada peli.
Ayudará esto a acercar buen cine al público? Parará un poco la piratería? Eso está aún no lo podemos saber, pero de que ésta es una nueva vía de distribución y exhibición la es, y eso necesita el cine mexicano, nuevas ideas.

Vals con Bashir

Con muchos premios (que no mencionaré) como cartilla de presentación, Vals con Bashir, es una peli sobre la guerra Israel/Líbano y sus consecuencias hecho a manera de documental animado. Sí, eso se puede hacer. Y, aunque ya hemos visto cientos de películas con un tema bélico, ésta lo aborda de una manera muy distinta y renueva el discurso trillado con un excelente soundtrack y utilizando imágenes surreales, devastadoras y poéticas al mismo tiempo.
El director y guionista Ari Folman hizo su servicio militar con los israelíes en aquella guerra, veinte años después realizó un viaje en el que se dedicó a encontrar a sus compañeros de combate, entrevistarlos y así darle forma a una historia en la que él tenía muchos recuerdos bloqueados. Todas las entrevistas las realizó en video dentro de un estudio y con base a ellas creó un story board que después se trabajó imagen por imagen en flash, animación tradicional en 2d y una poca en 3d, decidiéndose por la animación como el único modo de dar forma no sólo a las entrevistas recreadas, sino a la memoria, las fantasías, alucinaciones, sueños, pesadillas y posibilidades del pasado.
La animación nos ayuda a hacer un poco más llevadero el tema tratado y aunque generalmente la asociamos con lo infantil, plantas o animales parlantes o súper héroes, cada vez es más frecuente su uso en otro tipo de asuntos, como se ha hecho en Persepolis, Waking life o incluso Wall-E; al mismo tiempo, Vals con Bashir está estructurada como un documental gracias a las entrevistas y la reconstrucción del pasado.
Folman mezcla el presente con sus recuerdos de juventud y nos brinda un final en el que la animación cede el paso a imágenes reales del horror que produce la guerra, gracias a las que redimensionamos toda la cinta.

Voy a explotar

Gerardo Naranjo pudo haber hecho una comedia adolescente más, pero quiso irse por otro lado, sin llegar tampoco a hacer una peli contemplativa tipo Reygadas, no, esa no es su onda.
Le tomó seis meses elegir a quienes encarnarían a Maru y Román, personajes como salidos de la Nouvelle Vague, Naranjo tuvo que revisar 3 mil videos en los que preguntaban a chicos de secundaria ¿cuál ha sido el momento más feliz y el más triste de tu vida?, ¿qué onda con el primer beso?, así fueron elegidos Juan Pablo de Santiago y María Deschamps.
En Guanajuato, Román, hijo de un político, con todo lo que eso implica, y Maru, una chica de clase media que vive con su madre y su hermana menor, se conocen y eso lo cambia todo. Se dan cuenta que hay alguien más como ellos que está en contra del "aquí no pasa nada", que coinciden en la inconformidad, las ganas de romper con lo establecido y el deseo que tienen por autodescubrirse, también con todo lo que eso implica.
Entre comedia negra y road movie, entre graciosa y cruel, la cinta escrita y dirigida por Naranjo, nunca cae en lo cursi y es tratada con la seriedad de un adolescente, una seriedad para tratar sus sentimientos y para ver el mundo muy a su manera, por eso la peli pasa desde su punto de vista, por eso los adultos están medio caricaturizados, por eso el personaje más cómico es el del papá de Román, el político encarnado por Daniel Giménez Cacho.
Y aunque la parte final se siente un poco larga, Naranjo termina por resolverlo con habilidad ayudado por la fotografía de bellos paisajes, colores y encuadres y usando de fondo música desde Mahler, pasando por Porter y tocando a Interpol, Naranjo explora la rebeldía de dos adolescentes en una época en la que ésta ya no se mide por los tatuajes ni los piercings y muchas veces ni por si se llega o no a casa, sí, la rebeldía de la que habla por momentos parece un poco ingenua.
Maru y Román buscan nuevas experiencias y una identidad, van en constante caza del autodescubrimiento sexual y la "libertad", para eso huyen del hogar, pero la verdad es que no llegan muy lejos y con una idea medio romántica e inocente de pronto se convierten en un hombre y una mujer fuera de la ley.

Mister Lonely

Harmony Korine puede ser calificado como un geniecillo, Mister Lonely es su tercer película en un periodo de más de diez años, en 1997 estrenó Gummo, en 1999 Julien Donkey-Boy y hace dos años Mister Lonely, aunque apenas ahora llega a las pantallas mexicanas gracias a Canana, distribuidora de Diego Luna y Gael García; por si esas pelis no les suenan conocidas (si no les suenan, búsquenlas), Harmony Korine también hizo el guión de Kids, cuando apenas tenía 17 años.
Mister Lonely abre con una gran secuencia en la que vemos a Diego Luna caracterizado como Michael Jackson, montado en una pequeña moto, usando lentes oscuros, cubrebocas y calcetines blancos, mientras se escucha Mister Lonely de Bobby Vinton. ¿Qué tal Diego Luna como imitador de Michael Jackson? Muy bien, mucho mejor de lo que esperaba, una de sus mejores actuaciones no sólo realizando los movimientos característicos del cantante, que practica en su apartamento y muestra a los paseantes de los Campos Elíseos, sino como un joven común y confundido que no está a gusto consigo mismo.
Imitador de Michael Jackson sigue a imitadora de Marilyn Monroe a una comuna en Escocia en donde habitan otros imitadores, Abe Lincoln, Shirley Temple, el Papa Juan Pablo Segundo, Charles Chaplin, Caperucita Roja, Buckwheat, James Dean, Madonna, Los Tres Chiflados, la Reina Elizabeth y Sammy Davis Jr. Todo esto mezclado con escenas en las que vemos al fabuloso Werner Herzog dirigiendo a un grupo de monjas voladoras, sí, voladoras, o más bien que se lanzan al vacío de la jungla sudamericana para probar su fe.
A Harmony Korine le gusta el universo de los freaks e inadaptados sociales y Mister Lonely habla sobre aquellos que quieren ser alguien más, sentirse menos ordinarios, únicos y que al mismo tiempo desean pertenecer a algo más grande, algo que les brinde una identidad, compañía, un poco de seguridad y, talvez, hasta un propósito en la vida.
Una cinta visualmente hermosa hecha en formato panorámico anamórfico, como un poema con una coherente y bella selección musical.

Lollipop, Viudas e hijas de Roque Enroll

Fabuloso!

David LaChapelle. Delirios de razón.

Imágenes originales, irreverentes, controvertidas, transgresoras, perturbadoras, que mueven nuestra manera de ver, sentir y pensar, llenas de color, en gran formato, sobre guerra, religión, celebridades y una sociedad en ruinas, influidas por el pop art y el surrealismo.

Delirios de razón es la primer exposición del fotógrafo estadounidense David LaChapelle, quien comenzó trabajando en la revista Interview fundada por Andy Warhol, por invitación de él mismo; ha hecho fotografía de moda, para publicidad, portadas de revista, ha dirigido videos musicales y comerciales, un documental titulado Rize y tiene cuatro libros, todo ello hecho con mucha pasión e intensidad; en 2006 dejó el mundo de las celebridades para regresar a galerías y museos.
A David LaChapelle le gusta poner a las celebridades y modelos en inusuales sets, lo que generalmente da como resultado imágenes bellas, pero al mismo tiempo grotescas, que nos señalan con dureza asuntos como la decadencia de la cultura, la política, la economía, la religión y de la sociedad estadounidense en general, utilizando el agua, la luz y el fuego como elementos purificadores y redentores.

La exhibición está dividida en seis partes: Heaven to hell (Del cielo al infierno), Awakened (Renovación), Destruction and disaster (Destrucción y desastre), Jesus is my homeboy (Jesús es mi compañero), Decadence (Decadencia) y Star system (Sistema de estrellas); tiene un montaje impecable de 64 de sus obras realizadas entre 1995 y 2008 y, además, en dos salas se proyectarán 12 videos musicales, entre ellos uno de Cristina Aguilera y otro de Elton John, dirigidos por LaChapelle, así como el detrás de cámaras de las piezas Deluge y Pieta y habrá un taller en el que podrán ponerse una peluca, sombrero y/o un trapito para posar en alguno de los sets que hay ahí.

Es una de ésas exposiciones que se tiene qué ver. Estará hasta el 14 de junio en el Antiguo Colegio de San Ildefonso.

Por fin fui al MUAC!

Es uno de los museos más lindos que conozco, es amplio, iluminado, tiene unas exposiciones muy buenas, no es da miedo correr riesgos, la tienda del museo ofrece varias cosas de diseñadores y ediciones de varios libros muy interesantes y difíciles de encontrar, los voluntarios y chicos que laboran ahí son muy amables y siempre tienen buena cara, el sitio en el que se construyó es de los más chidos de Ciudad Universitaria, está rodeado de vegetación y ésta puede ser apreciada casi desde cualquier punto del lugar, el restaurante brinda un menú con cocina mexicana contemporánea, ensaladas, pastas, mariscos, carnes y una carta de postres de ésas en las que todo se antoja, tiene unos sillones tipo laounge, la zona "normalita" y una terraza con varias mesas al aire libre, además hay un auditorio, biblioteca y sala de conferencias. El mejor museo de la UNAM y, por mucho, uno de los mejores de la ciudad.

Dos cosas que me gustan

• Poder ver el cerro del Ajusco al salir de mi casa (vivo al sur del df, pero no taaan al sur).
• Ver el huequito que deja el trasero de las personas al levantarse del asiento de un microbus.

Chale

Llegaron mi ansiadas vacaciones, pasaron mis ansiadas vacaciones, llegó la navidad, terminó el 2008, comenzó el 2009 (que, por cierto, se ve muy prometedro por acá) y yo sin escribir, pero todo va muy bien.