Copia Fiel

Como siempre, ver a Juliette Binoche es una gran experiencia, ella sabe cómo dar a sus personajes sensibilidad y fuerza al mismo tiempo, y en Copia Fiel (Copie Conforme) de Abbas Kiarostami no es la excepción.

Pero la actuación de Binoche no es lo único elogiable en la cinta, la dirección de Kiarostami se lleva las palmas al explorar el amor, las parejas y sus dificultados gracias a un fabuloso truco narrativo que confunde y sorprende.

William Shimell interpreta a un escritor que llega a una ciudad de Italia a hablar sobre su libro, el cual trata sobre el valor de la copia en las obras de arte. Juliette Binoche representa a la dueña de una galería de arte, quien lleva al escritor a dar un paseo por la provincia italiana. En el transcurso de su paseo, y entre sus charlas sobre arte, ellos mismos se convierten en la copia fiel de un matrimonio en crisis.

La Pivellina

En lo primero que pensé durante la película fue en Giuletta Masina, una de las musas de Fellini y su esposa. La Pivellina tiene mucho de aquel cine, cámara en mano y mostrando la realidad de las afueras de la ciudad de Roma, sin hacerlo de modo amarillista, sino con ternura y gracia, los personajes de esta cinta nunca caen en lo patético ni trágico, aunque su situación lo sea un poco.

Patti vive en una casa remolque y mantiene, junto con su esposo, un circo ambulante. Un día encuentra a una pequeña niña abandonada en el parque, ella la recoge y la cuida junto con un adolescente, mientras la madre de la pequeña regresa.

El realismo con el que es tratado el tema le viene a Tizza Covi y Rainer Frimmel, directores de la cinta, gracias a sus anteriores trabajos en conjunto, los documentales Das ist alles? (¿Eso es todo?) y Babooska, el cual muestra un año en la vida de los integrantes del circo Il Floriciccio y en el que la misma Patrizia Girardi (Patti) y Walter Saabel (Walter) aparecen.

La Pivellina narra una realidad social en Italia, el abandono de niños y la marginalidad con la que viven algunas personas y lo hace a través de los ojos de tres generaciones, valiéndose de la estupenda actuación de Girardi y el carisma de la pequeña Asia Crippa.

Predicciones que son deseos / Oscar 2010

Película The Hurt Locker
Actor Jeff Bridges por Crazy Heart
Actor de Reparto Christoph Waltz por Inglourious Basterds
Actriz Meryl Streep por Julie & Julia
Actriz de Reparto Anna Kendrick por Up in the Air
Película de Animación Up
Dirección Artística The Imaginarium of Doctor Parnassus
Cinematografía Avatar
Diseño de Vestuario The Imaginarium of Doctor Parnassus
Dirección Quentin Tarantino por Inglourious Basterds
Documental Food, Inc.
Cortometraje Documental The Music by Prudence
Edición/Montaje Inglourious Basterds
Película Extranjera La Teta Asustada
Maquillaje Star Trek
Música Original Fantastic Mr. Fox
Canción Original Down in New Orleans de The Princess and the Frog
Cortometraje Animado La Dama y la Muerte
Cortometraje Miracle Fish
Edición de Efectos de Sonido The Hurt Locker
Sonido The Hurt Locker
Efectos Visuales Avatar
Guión Adaptado Up in the Air
Guión Original Inglourious Basterds

Libros 2009, no los mejores, sólo lo que leí

Uno de mis propósitos al empezar el 2009 fue leer mínimo un libro al mes. Y sí. Acá la lista:

Cuentos de película, Julio Cortázar
Días de diccionario, Ilan Stavans
Las partículas elementales, Michel Houellebecq
Las intermitencias de la muerte, José Saramago
62 / Modelo para armar, Julio Cortázar
Sputnik, mi amor, Haruki Murakami
Lucrecia y Rigoberto, Mario Vargas Llosa
Bartleby, el escribiente, Herman Melville
La mujer dormida debe dar a luz, Ayocuan
El mundo alucinante, Reinaldo Arenas
Cuentos sin plumas, Woody Allen
La sombra del caudillo, Martín Luis Guzmán

London River

Esta cinta del francés de origen argelino Rachid Bouchareb, está situada en Madrid tras el atentado dirigido al transporte público de julio del 2005 en el que hubo 50 víctimas mortales.
En ese contexto, Bouchareb narra el encuentro de dos personas que en principio parecen totalmente opuestas y que luego nos damos y se dan cuenta ellos mismos que sus vidas no son tan diferentes, tal como menciona Elisabeth, el personaje de interpretado magníficamente por Brenda Blethyn, a Ousmane (Sotigui Kouvaté) y, aunque distintos en algunos aspectos, el dolor, la esperanza, el miedo son iguales para ambos, juntos van re conociendo a sus hijos mientras los buscan.
A la orilla del río es un drama social conmovedor, con un tratamiento especial hacia el racismo y el terrorismo.

Norteado

Ésta podría ser una película más sobre inmigrates, pero no lo es. Este año hemos tenido excelentes cintas sobre el tema y para todos los gustos, cabe decir, Los que se quedan, Mi vida sin mí, Bastardos, Oveja negra, Sin nombre y Norteado, la cual, desde sus primeros 10 minutos se conviertió en una grata sorpresa para mí.
Inspirada en un cuento de Edgar San Juan, ésta peli es un melodrama sencillo que bien pudo llamarse Suertudo, ya que Andrés, un joven procediente de Oaxaca, sortea los peligros que hay al pasar ilegalmente a los Estados Unidos y además, gracias a su encanto y carisma logra ganarse la confianza y cariño de tres habitantes de Tijuana, quienes lo ayudan y le facilitan la vida mientras él alcanza su sueño.
Con una sencillez narrativa y tintes de documental y comedia romántica, Rigoberto Perezcano (XV años en Zaachila) logró una emotiva, entretenida y original cinta en la que se ríe de la tragedia, con excelentes actuciones por parte de Harold Torres, Alicia Laguna, Sonia Couoh y Luis Cárdenas.

John Rabe

Coproducción entre Alemania, China y Francia, dirigida por el alemán Florian Gallenberg, quien narra una historia verídica sobre John Rabe, un ingeniero afiliado al partido Nazi y empleado de Siemens que vivió en China por 30 años y que, cuando las cosas se pusieron feas en China por la invasión de los japoneses durante la Segunda Guerra Mundial, junto con otros europeos que vivían allá creó un grupo para defender a los chinos.
El guión de la película está basado en en el libro Un buen hombre de Nankin: Los diarios de John Rabe y en varios puntos utilizan material de archivo y tiene un reparto internacional que hace de manera excelente su trabajo, entre ellos, Ulrich Tukur (La Vida de los Otros), Steve Buscemi (Gran Pez), Daniel Brühl (Adiós a Lenin) y Anne Consigny (El llanto de la mariposa).
Es una de esas películas históricas muy bien hechas con buenas actuaciones, excelente foto, diseño de arte, etc, de esas que ganan premios y se vuelven éxitos de taquilla, porque tiene todo lo que le gusta a la gente, está hecha de modo convencional, es sentimental, dramática y, sobre todo, políticamente correcta, aunque para mi gusto es demasiado hollywoodense y muestra cosas que no haría falta mostrar.

A Serious Man

Esta vez los hermanos Ethan y Joel Coen filmaron en un suburbio similar en el que ellos crecieron y en el que fueron educados por judíos y, de hecho, ésta es una peli sobre judíos y la humillación y dolor que uno de ellos debe de pasar, Larry Gopkin (Michael Stuhlbar), un hombre casado y con un par de hijos que sólo busca ser un hombre serio, un buen miembro de la comunidad, un buen esposo, un buen profesor y trabajador, pero todo se le va en contra, sus hijos, su esposa, sus alumnos, su salud, sus sueños o, en realidad pesadillas, y hasta el clima, sin que él pueda hacer nada; en varios momentos repite "porqué yo, sino he hecho nada" y justo no es que haga cosas espectacularmente buenas o malas, no! sólo no hace nada, de la misma manera, varias veces se repite la canción de Don't you want somebody to love. La verdad es que, por momentos, no sabía si reír o llorar y en buena parte me quedé perpleja y fascinada, eso sí, con las actuaciones de Stuhlbar, Sari Lennick, Richard Kind, quien salía en Mad About You, aquella serie con Paul Reiser y Helen Hunt y la breve pero fabulosa participación de Simon Helberg, a quien recordarán por The Big Bang Theory.
Y sí, es sobre judíos, pero en realidad los Coen hablan sobre la incapacidad de controlar el universo o, en su defecto, lo que sucede a cada persona.

Looking for Eric

Hasta el momento la mejor película que he visto dentro de la 51 Muestra Internacional de la Cineteca, sin duda alguna. Ésta es la más reciente cinta de Ken Loach, quien suele filmar cintas con temáticas sociales rayando en el melodrama, pero ésta vez combinó de manera perfecta el drama al mostrar la realidad de un cartero inglés con una vida poco enviadiable con una historia de superación personal que nunca cae en lo sentimentaloide ni lo cursi, una película sobre la búsqueda de identidad completada con una buena dosis de humor. Buscando a Eric es de esas pelis que defino como pone-de-buenas.
Gracias a la participación del futbolista francés del Manchester United Eric Cantona, quien también fue productor de la cinta, es que el personaje principal se llama Eric, interpretado por Steve Evets, y quien es un hombre malhumorado, sin el respeto de sus hijastros y que sueña con su amor de juvetud, a quien no ve desde hace 30 años. Ken Loach volvió a trabajar con su guionista de costumbre Paul Laverty y dio a una historia simple sobre autoestima y superación personal un tratamiento original jocoso y plagado de humor.

Taking Woodstock

Esta es una cinta sobre liberación y tolerancia en un momento en el que las estructuras sociales eran rígidas y conservadoras, el guión de ella está basado en el libro autobiográfico de Tom Monte, Taking Woodstock: A True Story of a Riot, a Concert and a Life.
Aunque tiene como título en español Bienvenido a Woodstock, sólo muestra el festival de agosto del 69 desde una visión al margen, en realidad lo central es cómo el festival transformó la vida de muchos de los que estuvieron ahí y en particular es la historia de liberación de un joven en medio de una serie de conflictos culturales y sexuales, interpretado por Demetri Martin, pero confieso que, aunque es carismático, no crea la suficiente empatía y se lo comen las actuaciones de Emile Hirsch, Imelda Staunton y Liev Schreiber.
Lo que no verán o, debería de decir, oíran, ésta no es una película musical, de hecho sólo aparece ésta de manera incidental, se escucha a lo lejos, tal como lo escucharían las personas a metros del escenario. Lo que sí es, es una cinta ligera dentro de la filmografía de Ang Lee en la que usa pantalla dividida y por un breve momento (durante un viaje ácido del protagonista) me recordó Across the Universe de Julie Taymor, pero sólo un breve momento.
Entretenida, pero nada más, de ahí no pasa.

Pandora'nin kutusu

O, en nuestro idioma, La Caja de Pandora, de la directora turca Yesim Ustaouglu, talvez en cuanto a historia la cinta no es original y desde un principio podría adivinarse el desenlace, pero está muy bien hecha, los paisajes del campo turco, la música y la actuación de Tsilla Chelton, valen la peli. Aunque, a mí, la verdad, me conmovió por completo, tiene una estética narrativa hermosa, sus imágenes son poéticas y se completan perfecto con la música.
La caja de pandora que se abre es la de una familia que se redescubre después de la desaparición de la madre y aunque cada uno de los integrantes de esta familia tiene sus propios problemas, el eje central es la madre, interpretada por Tsilla Chilton, quien sufre de Alzheimer, desde antes de encontrarla los reproches y recuerdos de y entre sus tres hijos salen a la luz.
Y a pesar de que el personje de Chilton está enfermo y senil, es quien tiene los diálogos más certeros, pues con todo y todo, sabe de qué pie cojea cada uno de sus hijos y se los hace saber de manera certera y eso les cae de sorpresa, como dardos; a pesar de eso es el nieto el único que logra comprender su deseo y ese personaje termina siendo el que más avanza, no es de a gratis que con él empiece y termine la cinta.

Le Silence de Lorna

El cine de los hermanos Dardenne es reconocido internacionalmente por el hincapié que hace a problemáticas sociales que no sólo tienen importancia y repercusión en Europa, sino en el mundo entero, pues sus historias, aunque representadas en Bélgica, son universales.
En esta ocasión, Jean-Pierre y Luc Dardenne tratan sobre la los matrimonios por conveniencia para que europeos de los países del este, menos favorecidos económicamente, puedan obtener papeles de los países de oeste. Dentro de esta situación de inmigración ilegal y, por tanto, de corrupción social, aparece el personaje de Lorna (Arta Dobroshi), una joven de Albania que se casa con un joven drogadicto belga, interpretado por Jérémy Renier, quien por cierto ya es actor recurrente de los Dardenne.
Con un estilo ya marcado, este par de hermanos guionistas/directores, hablan sin sentimentalismos sobre la redención, el reparo moral y se cuestionan sobre lo que está bien o mal, es así que Lorna se convierte en una especie de antihéroe al buscar su redención entre los marginales.

The Limits of Control

El cine de Jim Jarmusch es de esos que se toman su tiempo y eso se agradece, pero no sé si tenga mucho caso buscarle sentido a esta peli, porque creo que estamos ante una cinta que está hecha para ser contemplada como se hace con una obra en un museo, no sólo porque la música es repetitiva, también por las frases que se dicen una y otra vez, o por las referencias pictóricas, cinematográficas, musicales y literarias que tiene o porque su personaje principal es una especie de cawboy posmo, hace tai chi, no usa teléfono móvil, ni pistolas y no practica sexo mientras trabaja.
El eje central de The Limits of Control es el paso de El Solitario, interpretado por Isaach De Bankolé, por España y sus breves encuentros con varios personajes, a ninguno de ellos lo conocemos por su nombre, sólo por su apodo y de pronto me parecía estar frente a un juego de lotería; el francés, el criollo, el mesero, la rubia, la mujer desnuda, el violinista, el mexicano, la guitarra, el conductor, el americano, casi cada uno de ellos pregunta a nuestro hombre solitario qué piensa sobre el cine, la pintura, la bohemia, la música, Schubert, las alucinaciones, pero nunca le dejan responder, si bien él tampoco muestra mucha iniciativa para hacerlo. Con un reparto multicultural, cada uno de los actores es suficientemente reconocido en su región, Óscar Jaenada, Luis Tosar, Tilda Swinton, Bill Murray, Gael García, Paz de la Huerta, John Hurt o Hiam Abbass.
Cabe destacar la fotografía de Christopher Doyle, quien trabajó con Won Kar Wai en In the Mood of Love, y el diseño de producción de Eugenio Caballero, a quien recordarán por su desempeño El Laberinto del Fauno.

Parque Vía

Me recordó a Batalla en el Cielo de Carlos Reygadas y a Sangre de Amat Escalante, es de la onda, pero diferente, usa actores no profesionales y planos largos, en su mayoría estáticos. Parque Vía es la primer cinta de Enrique Rivero, quien se vale de una estructura monótona y repetitiva para adentrarnos es la vida rutinaria de Beto, un hombre que ha ciudado la casa de una señora adinerada (Tesalia Huerta) por 30 años. A pesar de su forma narrativa no es una cinta pesada, al contrario, crea un interés en Beto, su melancolía, soledad y futuro, pues al ser vendida la casa él no tendrá a dónde ir, ese interés sirve para adentrarnos en su situación y entender las crisis que tiene cada que sale de la casa, su sudor y su dificultad para hablar con la gente, tantos años lo convierten en un ermitaño. Pero debo de decir que justo ese interés creado durante se va abajo con el final, el cual considero que demerita la historia, aunque sí es destacable el desempeño de Nolberto Coria, quien interpreta a Beto y el trabajo del primerizo Enrique Rivera, pues aunque su película no termina por cuajar -yo hubiera preferido un final abierto- está bien hecha.

New York, I love you

New York, I love You es la segunda entrega de la idea del productor Emmanuel Benhiby, la primera fue Paris, Je t'aime y se espera que les sigan las versiones de Rio de Janeiro, Shanghai, Mumbai y Jerusalem. NY, I love you es una peli hecha de varios cortometrajes, para ser exacta 11 de 8 minutos cada uno y filmados en dos días cada uno también, sobre la ciudad y cómo la vive su gente. Estos 11 cortos fueron dirigidos por Mira Nair, Fatih Akin, Natalie Portman, Brett Ratner, Jiang Wen, Shunji Iwai, Yvan Attal, Allen Hughes, Shekhar Kapur, Joshua Marston y Randy Balsmeyer.

Lo que sucede en NY, I love you y que no pasó con Paris, Je t'aime, es que en ésta última cada corto empieza y termina como una unidad independiente, no se mezclan entre ellos, en cambio, en la versión sobre Nueva York todos los cortometrajes están unidos, gracias a la idea de Benhiby y su editor, todos los cortos se rozan de una manera u otra, sea con un lugar o un personaje, tal vez a excepción de un par de ellos.


En general la cinta es buena, pero tiene sus altibajos y son unos tres cortometrajes los que hacen que valga la pena verla, al menos desde mi punto de vista, esto porque la mayoría de las historias se parecen, un gran porcentaje habla del amor de pareja y pocas exploran otro tipo de relación, incluso ninguna explora el amor interracial u homosexual, ni se explota el multiculturalismo de la ciudad ni se visitan ciertas zonas como Queens o el Bronx, sitios que sólo conozco por las películas, igual que Central Park, el Puente de Brooklyn y el Upper East/West Side, que sí aparecen en la peli y también son puntos más turísticos y comunes dentro de la imaginería actual.

Los abrazos rotos

La nueva cinta de Pedro Almodóvar no es sólo sobre abrazos rotos, también sobre historias rotas, relaciones rotas, películas y fotografías rotas. Almodóvar nos da una película (titulada Chicas y Maletas, así o más almodovariano?) dentro esta película y de paso nos cuenta varias historias alrededor de ella, una historia de amor rota por la fatalidad de la muerte.
Antes de seguir confieso dos cosas, me gustó más Volver y se me hizo un poco larga, peeero, sí me gustó, Chicas y Maletas da justo el contrapunto cómico para el drama de las historias que la rodean, incluso de pronto tanto drama es un poco irrisorio, como cuando a un ciego alguien le dice "nos volveremos a ver" y el ciego responde "eso para mí sería un milagro".
Sí, esto es un pedacerío de historias y cada quien irá armando la peli mientras ella avanza la cinta, cada quien va a comodando montón de de bellas y fuertes imágenes que componen Los abrazos rotos, por cierto la foto es del mexicano Rodrigo Prieto, quien cada vez lo hace mejor.

Los que se quedan